Música: es buena por donde la mires.
Estamos en el mejor momento posible para compartir música. Gracias a una pequeña cosa llamada internet, puedes encontrar música desde y de todos los lugares del planeta, de cualquier época que quieras, de cualquier género que quieras ¡Es una locura! Pero a pesar de las opciones infinitas que el internet ha puesto al alcance de nuestros dedos, se ha creado también un espacio de retroalimentación donde gastamos la mayor parte de nuestro tiempo enfocándonos en las mismas cosas y comentando y repitiendo temas que sabemos que no generan debates, algo así como “los perros son buenos” y “El álbum de Kendrick Lamar pegó duro”.
Videos by VICE
Y mientras tanto, el álbum de Kendrick Lamar realmente pega y no hay necesidad de un artículo que repita este hecho. Es por eso que, en su lugar, desde el staff de Noisey de todo el mundo decidimos compartirles nuestros álbumes favoritos de este año que no se han nombrado mucho en las conversaciones. Desde artistas emergentes a punto de despegar de sus escenarios, hasta los artistas consagrados menos inclinados a ser el centro de atención, estos son los mejores, los álbumes menos valorados, de lejos, en lo que va del año.
El World Eater de Blanck Mass es uno de esos álbumes que empata muy bien con el arte de su portada. Es salvaje, mordaz y va mucho más directo al punto. Como muchos álbumes de noise, el último lanzamiento del proyecto en solitario de Benjamin John Power de Fuck Button está lleno de exploraciones del carnaval de lo asqueroso y absurdo que es el mundo actual. World Eater quita un poco de esa ironía conflictiva de la banda. Es una mezcla esbelta y minimalista de sutiles influencias de la música dance, paletas industriales y unos grandes y sonoros muros de noise. No hay ningún giro en sus canciones, sin coros o cambios de clave que dispersen la tensión. Es agresivo, hecho para abrumar y acorralar a quien lo escuche, alejado del sentido meditativo del trabajo pasado de Power, que de una u otra forma te hacía confrontar tus incomodidades— un recordatorio de que algunas veces la música no te da consuelo o libertad, sino que simplemente te deja ser.— Andrea Domanick. ESCÚCHALO EN: Spotify, Apple Music
Conformada por miembros de de Dick Diver, Twerps London’s Primetime, Blanck Statements produjo el pop del tipo airoso y sin esfuerzo por el que reconocemos a las bandas australianas durante esta última década. En su cassette debut, lanzado en el Hobbies Galore, la banda de Melbourne introdujo ocho canciones encantadoras que implican cambios de instrumentos e intercambio de voces. Desde la melódica ‘Privacy‘ hasta los susurros de ‘Scorpions‘, pasando por el zarandeo de hombros con ‘Building a Ramp‘, las canciones son simples pero tremendamente pegajosas. — Tim Scott. ESCÚCHALO EN: Bandcamp
Charli XCX es la mejor estrella pop que el Reino Unido ha tenido en décadas. Number 1 Angel, es el mixtape que lanzó este año después de una serie de líos que tuvo con el sello al momento de sacar su segundo álbum (que al día de hoy seguimos sin escuchar), pero bueno, tal vez por eso el mixtape es la perfecta cristalización de la situación. Producido por miembros del colectivo de dance-pop PC Musica, alianza que parece haber ayudado a Charli a darle forma a la rara y excepcional versión de ella misma, el mixtape suena como la página de Tumblr de un chico de 16 años — cargada de imágenes de los 90, beats de pop y letras sobre ángeles alados y borracheras. Con una impresionante lista de colaboraciones de talentosas chicas (la cuales incluyen a CupcakKe y a la escurridiza francesa Uffie) Number 1 Angel es el más raro y el más original álbum de pop de 2017 que aún no has escuchado. — Lauren O`Neill. ESCÚCHALO EN: Spotify, Apple Music
Lo primero que piensas al escuchar Guppy es: ¿De cuál película adolescente de los noventa es esta banda sonora? La segunda cosa que piensas es: hey, este es el mejor álbum de power pop que he escuchado. Charly Bliss exponen claramente sus influencias, por ejemplo, con flashes de Letters To Cleo, Rilo Kiley y Weezer en sus primeros años, además de la experiencia de la vocalista Eva Hendricks en el teatro musical y la confianza y vulnerabilidad de esto. Todo esto podría incorporarse para llenar una de esas secciones de “influencias” que había en los perfiles de MySpace, pero que hable más del estilo que de la substancia. Sin embargo, no es sino escarbar un poco más allá de la superficie y encontrarás una honestidad y oscuridad carentes de roda norma. Entre melodías asoleadas, ganchos y notas emocionales que cambian, Guppyadquiere esa apariencia humana, sobre todo por esas líneas como “I can’t cum and I can’t lie / I can’t stop making myself cry” o “Guardrail, taking the stairs / Passed out on the subway with blood in my hair“. — Emma Garland. ESCÚCHALO EN: Bandcamp
La sombra de ningún artista se proyecta tanto sobre la más reciente ola del hip-hop viral y sensacional, que la de Chief Keef. Con la canción pegadiza de ‘Hate Being Sober‘, la agresiva ‘Don’t Like‘, las arenas movedizas de “3Hunna” o el ambiente azaroso de ‘Citgo‘, Keep predijo básicamente todas las tendencias musicales del 2017 desde el 2012. Entonces cuando comenzó su último proyecto, el largamente prometido Thot Breaker, podría valer la pena prestarle más atención. Thot Breaker no está repleto de hits evidentes, y mucho de ello puede caer entre la masa irreconocible de canciones, pero musicalmente, es uno de los lanzamientos de rap más progresivos (si es que se puede decir eso) del año. Ya sea que Keep esté interpolando TLC con percusiones instrumentales (‘Can You Be My Friend’), canalizando a Gucci Mane (‘My Baby’) o cortando golpes de bajo de estilo dubstep y convirtiéndolos en una balada pop-punk lacerante (‘Whoa’) él está tomando riesgos constantemente y mandándolo todo a la mierda. En ‘Slow Dance’, de lejos la canción más romántica de Chief Keefs jamás hecha, su voz se derrite en un paisaje sonoro codificado, como si ‘Digital Love’ de Daft Punk hubiera tomado Xanax. Es algo que nunca te esperarías, y probablemente tampoco algo que quisieras, pero así es como funcionan los experimentos después de todo.— Kyle Kramer. ESCÚCHALO EN: Spotify, Apple Music
En una de sus descargas de arte bi-anuales, el héroe de culto Mark McCoy lanzó tres álbumes en los que estuvo trabajando meticulosamente durante años desde su sello boutique virtual, Youth Attack. Los tres álbumes son: un pesado pero increíble trabajo de black metal por Grinning Death Head, un primitivo hardcore ruidoso por Civilized y una descarga salvaje de energía por Culture Shock. Aunque los tres trabajos valen la pena ser escuchados, el álbum de Culture Shock es la demostración de la fuerza llevada a otro nivel. Con 10 canciones en sólo 14 minutos, el disco de la banda de Denver se siente como estar corriendo en el Tour de Francia y luego meterte en un triatlón. Es una adición perfecta para el catálogo del Youth Attack. Para sacar una grabación de hardcore de culto, esta es la mejor compañía para fijar la mirada . — Dan Ozzi. ESCÚCHALO EN: Bandacamp.
Hay un gran número de nerds rotando hip-hop basura, y sea cual sea la razón, el rap de Toronto es el que mejor ejemplifica esta tendencia. Con ‘Back to Back‘ el artista Daxz llevó mucho más lejos todo a través de del Kingdom Hearts, referenciando su trabajo artístico como una aproximación a un “género difícil”. Su álbum gratis en Soundcloud, Being Alone Isn’t Bad, es un bicho raro que suena como al grungy 808s & Heartbreak, y es mucho menos enfocado en el rap a comparación del Kanye original. Deslumbran los solos de guitarra de ‘Cross the Line‘, los saturados circuitos de batería tipo Linkin Park y los coros pop-rock que coexisten juntos bajo lo que parece ser una pista de rap. Lo que hace al BAIB funcionar es el sentimiento de Daxs de estar haciendo la música que él quiere hacer, y aunque es tan desigual como cualquier debut, la singularidad de esta extrañísima visión lo hace totalmente audible. Phil Witmer. ESCÚCHALO EN: Soundcloud
La música puede ser una plataforma increíble de investigación. Para el tradicional artista de folk en Tronto, Fiver, las historias olvidadas de una mujer en un asilo psiquiátrico para criminales abrieron un interrogante. Audible Songs From Rockwood es un esfuerzo desmenuzado, aunque musicalmente disperso, lo que le causa más impacto a los oyentes. Audible Songs From Rockwood cuenta historias ficticias de mujeres reales quienes vivieron en un asilo para los pacientes criminales de Canadá en los últimos años de 1800. El cantante de Fiver, Simone Schmidt, gastó años buscando la historia de la institución, lo cual fue una notable hazaña para un proyecto en particular. El resultado es doble: rompimiento e iluminación. ‘Waltz For One‘ es una canción disonante de paz y amor desde la perspectiva de una chica adolescente; mientras que las estridentes cuerdas de ‘Haldimand County‘ contemplan el colonialismo de las comunidades de la primera nación y el desacuerdo con el ´mundo nuevo`; “Yonder White Mare” es una pista a capella que enfatiza en la despanpanante vos de Schmidt. — Sarah MacDonald | ESCÚCHALO EN : Spotify, Apple Music
Los Higher Brothers están liderando la nueva escena del rap chino fuera de Chengdu, lejos del capital cultural y lejos del gobierno del suroriente de Beijing. Puede que no sea llamativo para los extranjeros, pero China tiene una enorme variedad de acentos y dialectos a través de sus regiones. Incluso es frecuente que dos personas de diferentes lugares sean incapaces de entenderse uno al otro. Hoy, muchos acentos llamados putonghua (普通话) son los acentos estándares, por lo que es increíble ver que la música producida en un acento local transite sin ninguna concesión hacia lo mainstream. El sonido de los Higher Brothers es algo fuera de serie, y las colaboraciones con artistas como Maaly Raw, Charlie Heat y el famoso Dex le dan a los chicos chinos un nuevo estándar tanto musical como líricamente. Éste álbum es una respuesta a todo lo que está siendo producido por fuera. Gracias internet —Wang Peng | ESCÚCHALO EN: Soundcloud
Entre el 2010 y el 2012, algunos jóvenes productores se entregaron devotamente a las percusiones lentas y una ingeniosa pero desarrollada lista de samples que contenían lo último del gran J Dilla, sobre todo su obra maestra del 2007 Donuts. Donuts es genial, pero el su potencial implacable se vuelve aburridor. Aquí es cuando el Pharaoh de Jansport entra: desde principios de este año, el álbum de la productora californiana se inspira en el clásico Donuts sin quedarse en la copia, con muchas más melodías llenas de color y un arreglo cuidadosos que lo hace placentero al oído. Pharaoh es la prueba de que es posible usar tus influencias en tus propios proyectos sin sonar como un falsificador… –Larry Fitzmaurice | ESCÚCHALO EN: Bandcamp
Cameroon de Jovi es un gato con muchos oficios . Él no solo maneja toda la producción de sus propios discos, sino que también los produce para los artistas que firman con su sello New Bell. La atención al detalle y a la precisión brillaron en todo su álbum del 2015, Mboko God, una mezcla de trap-likeproducida y fusionada con instrumentos tradicionales cameruneses. Él continuó esa tendencia este año cuando lanzó su tercer álbum, 16 Wives. El álbum, compuesto de baterías pulsadas, campanas, silbidos, cantos y tránsitos entre el inglés, francés y pidgin impone a Jovi como uno de esos artistas africanos que toca escuchar. Es muy importante considerar que los africanos que residen en Estados Unidos están escuchando el naciente afrobeat de las regiones orientales. Recomiendo ’50-50 ‘y’ Mongshung’ – Lawrence Burney | ESCÚCHALO EN: Bandcamp
Julia Holter trabaja en forma de espiral. In the Same Room, un álbum de estudio en vivo grabado en dos días en el RAK Studios en Londres, está compuesto en su mayoría de reinterpretaciones del hermoso LP Have You In Wilderness, del artista Los Angeles. Ocasionalmente mezclando pistas de su debut clásico de culto lanzado en 2013 Loud City Song y también del debut del 2011 Tragedy. Pero todo desde el ángulo correcto. Holter siempre ha estado fascinada por la acústica y sus imperfecciones, su primera grabación, Live Recordings, es un puré caprichoso entre lo sintético y lo orgánico: canciones tocadas muy alto en un cuarto de al lado donde está interrumpiendo la transmisión de un radio. In The Same Room captura esa extraña grandeza en una moda mucho más vangurdista, con Holter detrás del piano, un backup minimalista y micrófonos en frente de todo. En Loud City Song, ‘Horns Surrounding Me‘ comienza con sonajas y sintetizadores, pero con deslizamientos de cuerdas más suaves y leves. La voz de Holter se vuelve un susurro detrás del inmenso piano. ‘Vazquez’ es una canción despejada por el efecto del bajo, como si fuera agua profunda y las percusiones fueran limpios y acertivos filtreos con el jazz. Si realmente quieres seguirle la corriente, está ‘Betsy on the Roof’, lque cual comienza en Live Recordings con el ruido blanco del micrófono y la voz de Holter que se hunde; en ‘Wilderness’ su voz llega a ser un aullido, un lamento apropiado para un salón de baile dorado y vacío. Aquí, todo es silenciosos y melancólico, cantado a través de la agonía a través de un personaje emblemático que se mueve entre el sufrimiento y alguna reminiscencia melancólica.- Alex Robert Ross . ESCÚCHENLO Spotify, Apple Music
Es intimidante que la carrera de Laura Marling sea tan vasta y tan amplia. Marling siempre ha cantado como si hubiese vivido muchas vidas, su carrera comenzó a sus 16, y ahora tiene 27. Su edad no es tan impresionante como la profundidad de los trabajos que buscado hacer. En su sexto álbum de estudio, Semper Femina, Marling se mete cada vez más en una espiral psicológico, interrogando el género, las relaciones, los que significa ser una mujer, y amar a una mujer. Es un álbum tributo a las mujeres; pensemos en canciones como ‘Nouel‘ y ‘Valley‘, que se mantienen como gran ejemplo de esto. Semper Feminaes más un testamento al amor y a las cosas que vienen con él, es como ver a través del espejo. —Sarah MacDonald | ESCÚCHALO EN: Spotify, Apple Music
Lingua Ignota, “lenguaje desconocido” en latín, es el sobrenombre de la artista de Rhode Island, Kristin Hayter. Sus composiciones se inscriben en el panteón de la música extrema, creando y destruyendo expectativas al tiempo que da un respiro en el marco de las armonías corales. En conjunto, su obra está compuesta de sombras poderosas de electrónica y de los matices desolados del death industrial, que a veces colindan con bellas notas litúrgicas, melodías neoclásicas de ensoñación y memorias postraumáticas. Es un interludio entre lo áspero y las geometrías sagradas que disipan los conjuros de la luz, a menudo las ondulaciones vocálicas de Hayter se mueven en una suerte de juego donde la voz de ópera sostiene un ambiente de luz en plena y gloriosa decadencia. Su EP de debut, Let the Evil of His Lips Cover Him, pasó desapercibido por los radares cuando fue silenciosamente lanzado en febrero, lo cual es una tragedia; el álbum se mantiene como uno de los álbumes del 2017 que se catalogan como documentos extraños pero increíbles. – Kim Kelly. ESCÚCHALO EN: Bandcamp
Lor Scoota se proclamó a sí mismo como el rapero más prometedor de Baltimore desde que hizo su primera aparición en su serie de cintas Still In The Trenches en 2014. El año pasado, el rapero, también conocido como ScootaUpNext, dijo que estaba metido en una serie que se lanzaría bajo el nombre de Live from the A, que empalmaba muy bien con su vida en la zona oriental de Baltimore. Allí Scoota fue asesinado en Junio del año pasado. La cinta fue pospuesta, pero finalmente fue un lanzamiento póstumo en abril de este año. Como muchos de sus primeros trabajos, Live From The A es una combinación de enfrentamientos agudos, de historias de amores prohibidos y confidencias retomadas y sacadas a la luz de todos esos paseos cortos que se hicieron en carro durante el verano. Como él dice en ‘All Eyes On Me’, “When they calling you Up Next, you know you somebody.” Lo cual puede ser probablemente cierto. – Lawrence Burney. ESCÚCHALO EN: Soundcloud
El Fill Your Lungs de Mars salió el 20 de mayo, así que es discutible ponerlo en la categoría de álbumes pasados por alto. Sin embargo, las reglas se hicieron para romperse, y las bandas como Mars no brotan de los árboles tan seguido. El dúo de Rhode Island se sumergen en olas de lodo apocalíptico en cuanto a sonido; los riffs vienen violentos como si un perro rabioso estuviera intentando safarse de sus cadenas, al tiempo que Kay Belardinelli, el vocalista, exorciza sus demonios en tiempo real. Las letras luchan con el dolor y el poder de la recuperación de un trauma, amenazando el carácter con una inclinación personal hacia una oscuridad abrumadora. ESCUCHA : Bandcamp
Hay un interludio al final del sencillo de The Drum Chord Theory, ‘Dent Jusay‘, en el que Matt Martians y sus compañeros de banda discuten con una amiga la logística de entrar bareta a un toque. Ellos le aseguran que estará bien, y que habrá muchos estuches de instrumentos para guardarla, que ya tienen el porro armado, etc. Si hay una tesis en este álbum, se encuentra en esa sección; aunque, si prefieren un fraseo ligeramente distinto, el tema de 51 segundos ‘Found Me Some Acid Tonight‘ —fiel a su título— también puede funcionar. The Drum Chord Theory es perfecto para escuchar con amigos, algo para la pereza de las tardes o para las noches difusas. Los pianos, las líneas funkeras de bajo y los fragmentos de melodías vocales van entrando y saliendo, creando y desarmando grooves igual de rápido, sonando con la intimidad de las tomas de un estudio de grabación. En medio de la era de los algoritmos, The Drum Chord Theory se siente desafiantemente orgánico; un álbum que uno juraría haber escuchado antes en una cálida reunión de amigos. —Kyle Kramer | ESCUCHA: Soundcloud
Cuando Milk Music lanzó sin mucho bombo Mystic 100’s en abril, resultó ser toda una sorpresa para todos los que seguían a la banda de Olympia, Washington. Pero su tercer álbum en realidad es impresionante. Tiene influencias de Dinosaur Jr., los Kirkwood brothers y Zuma, de Neil Young, y además le suma más de su distintivo punk, algo de rock clásico y blues psicodélico.Temas como ‘Twists & Turns & Headtrips’ están por fuera de los confines de la ciudad y se adentran en el espacio entre los bosques de Washington y el desierto californiano. Saquen nueve minutos de sus días para escuchar “Crying Wand” y conocer a Milk Music. – Tim Scott | ESCUCHA: Bandcamp
Nef the Pharaoh es uno de los raperos jóvenes más encantadores de la escena, y su debut The Chang Project es un proyecto que suena y se siente como el viento del océano. El rapero de San Francisco, quien ha sido elogiado por su colega E-40, tiene un flow astuto y veloz que se siente natural, tal y como lo demuestra en ‘Back Out’ y ‘Bass Head’, los dos temas destacados del proyecto. Últimamente se habla mucho sobre lo que significa el rap —lo joven versus lo antiguo versus lo nuevo versus alguna mierda versus alguna otra mierda—, pero a veces llega un chico que simplemente rapea muy bien y no teme divertirse haciéndolo. Ese es Nef, volando sin mirar atrás — Eric Sundermann | ESCUCHA: Soundcloud
Quién puede decir que este álbum ha sido subestimado. Todos tenemos gustos musicales diferentes y, en algunos círculos, Nite Jewel es reina del dance. Aún así, hablemos de Real High porque es un álbum impregnado con la atmósfera de esta mitad de año, ese momento en que la oportunidad se vuelve realidad, en que la vida es más que la suma de sus partes, en que uno se siente enamorado; ya sea con uno mismo, con otra persona, con la idea de olvidar el pasado y mirar hacia adelante, o simplemente para salir de la casa en shorts por cuatro meses y regresar con el aroma de una buena vida. Lo que queremos decir es: Real High es hermoso, introspectivo, poético y, ¡sin embargo es divertido! Es buena música de verano. — Ryan Bassil | ESCUCHA: Bandcamp
PartyNextDoor no es nada sino inconsistente. Aunque hay picos de un gran instinto de composición (‘Work’) y momentos de experimentación instrumental (‘Brown Skin’), el artista suele pecar con canciones demasiado largas y frases como “mixed bitch, but she fuck with white”, que suelen ser dichas con tanta seriedad que terminan siendo graciosas. En COLOURS 2, la producción que siguió a su EP de 2014, él no cambia ninguno de esos elementos pero hay un enfoque en estas canciones que no están presentes desde hace años. Por ejemplo, ‘Peace of Mind‘ es un tema preciso, sin un hook y hablando del usual narcisismo y autodesprecio, pero se mantiene breve al permitir el espacio solo para un beat downtempo que lo lleva todo a su final. Eso no es para decir que este EP es espectacular; no lo es (de hecho, la mayoría de canciones son casi relleno), pero pensar que un proyecto subestimado es un diamante en bruto es un error. A veces algo bueno es suficiente y merece ser escuchado. —Jabbari Weekes | ESCUCHA: Spotify, Apple Music
‘Priestess‘, el primer sencillo de Pumarosa, llegó en 2015 como una canción experimental de baile, con siete minutos de duración y un solo de saxofón cacofónico. En medio de la limitada capacidad de atención del pop, fue necesario que chutzpah lanzara algo como esto. Dos años después, podemos decir que es esa misma audacia la que hace que el primer LP de Pumarosa, The Witch, sea tan atractivo. Es un debut que tiene el estilo, la respiración y la confianza de una banda en su segundo o tercer álbum. Como sugiere su título, The Witch explora perspectivas y relaciones femeninas; no tanto al estilo de empoderamiento boutique de Lana Del Rey, sino más por el lado de las persecuciones históricas y de la marginación sistémica. Isabel Munoz-Newsome, líder de la banda, grita en tus oídos y se envuelve en ritmos y melodías que recuerdan el post-punk, el space rock, el psych, el trip-hop, el art rock y la música experimental. El resultado es como si Siouxsie and the Banshees fueran contemporáneas de Radiohead y Spiritualized; surreal y mítico, autero y ansioso, un álbum de paradojas que se vuelve más adictivo con cada escuchada. — Andrea Domanick | ESCUCHA: Spotify, Apple Music
Si queda algo de justicia en el mundo (cosa que, para ser justos, es debatible), You Take Nothing de Ragana será recordado como uno de los álbumes definitivos de la música pesada de 2017. Un día después de que Estados Unidos eligiera a un tirano mezquino como su rey, el dúo de Oakland lanzó la canción que la da nombre al álbum como un sencillo que ayudaba a recaudar fondos para los manifestantes en Standing Rock. ‘You Take Nothing‘ fue el primer tema nuevo que escuché ese día, y el poder y la furia entramados en esas pocas notas me llegaron al alma. La habilidad natural de Ragana de transitar entre dos géneros aparentemente dispares —las dos vocalistas y multi instrumentalistas saltan entre el metal y el doom al shoegaze, el sludge, el screamo y el riot rrrl— habla tanto del poder DIY de su mensaje anarco-feminista, como del poder catártico de sus canciones. Por los medios que sean necesarios, Ragana está aquí para obligarlos a escuchar; y harían bien en hacerles caso. — Kim Kelly | ESCUCHA: Bandcamp
La mejor faceta de la música pop es juguetona pero no inocente, y cuando su aproximación musical es holística tanto en estilo como en sonido. RALPH, de Toronto, no solo creó una pieza de pop genuinamente buena en su EP, sino que también creó una atmósfera cohesiva y estética que juega un papel tan importante como los sonidos. RALPH es como un patrón que iría estampado en un vestido setentero de Emilio Pucci: caleidoscópico, brillante e inherentemente divertido. A pesar de que RALPH es un EP exquisito de seis canciones que incluye muchos elementos de los clásicos del pop (amor, angustia, intereses amorosos cruzados), se impone estoico. ‘Tease‘ es un tema glamero tipo diva inspirado en un hombre que circula su grupo de amistades; ‘Cold To The Touch’ es un verdadero himno pop y ‘Lit The Fire’ es la gema escondida del grupo: una balada que podróa encajar tan facilmente en los ochentas como lo haría en los días modernos. — Sarah MacDonald | ESCUCHA EN: Soundcloud
La canción más enérgica de Jaguar Palace se llama ‘Had a Revelation‘ y en ningún momento articula una revelación. Es una canción psicodélica con momentos de country que hace dos preguntas existenciales: “Just to find satisfaction / Do you lose clarity? / Is the truth worth saving / If a lie’s what you need?”. Y termina con una resignada confesión: “Had a revelation, I just can’t find the time”. El álbum debut de Shane Renfro como RF Shannon es un disco cósmico, compuesto a partir de un desierto texano, y preguntándose por todo. Pero aunque las alucinaciones son abstractas, los cuestionamientos son reales —la muerte, las decisiones, la desilusión, la muerte otra vez— y Renfro las sigue hasta las últimas instancias. Creo que, para llegar al nivel de Renfro, hay que hacer esto unas doce veces en medio de una ola de calor, en un pueblo fantasma y preguntándose por la naturaleza de la existencia. Si no pueden hacer eso, pueden escuchar el coro de ‘New Weimar Train‘ y las flautas y dulzainas del tema de 11 minutos, ‘Hotelvilla‘, para acercarse. Se forman algunas revelaciones. La mejor de todas se encuentra en la cima, en contra de las filosofías de bolsillo: “Easy thing / Easy thing / Easy thing, to pretend”. — Alex Robert Ross | ESCUCHA: Apple Music
Hacer un álbum de regreso (o “comeback”, como le dicen los gringos) es fácil cuando el único obstáculo por vencer es un tiempo de receso o el reconocimiento público. Pero es mucho más complicado de hacer cuando el adversario es la muerte misma. La leyenda de la música, Ryuichi Sakamoto, se recuperó de un cáncer y del terremoto de 2011 en Japón para componer async, un álbum que logra poner a conversar las distintas facetas de su talento artístico. En “andata”, el majestuoso requiem que abre el álbum, y en la solemne y hermosa “solari”, la atmósfera es fúnebre, llena de sintetizadores y órganos que moldean melodías con naturalidad jazzística. En otros puntos, async es disonante y perturbador, con algunas piezas que consisten solo de percusiones electrónicas que convulsionan y se traban. Es un álbum oscuro pero, en últimas, reconfortante; las voces humanas sampleadas le dan una calidad transversal, guiando al oyente y posiblemente a Sakamoto a un prospecto de finalidad. — Phil Witmer | ESCUCHA: Spotify, Apple Music
Lee el artículo completo en: Noisey
