“Te voy a contar todo esto porque tengo la esperanza de que algún ella lea esto y se de cuenta de que aquí estoy, aquí estoy mamá”, me dice Teri desde el otro lado de la línea. En su voz, fuerte, sincera, cohibida en ocasiones, noto una confianza implícita que quizás con ningún otro artista con quien hubiera charlado en el pasado había sentido. Y conforme platico con ella, comienza a tener mucho sentido. El nuevo disco de Le Butcherettes es un corazón crudo bombeando emociones en una charola, entregado a nosotros de la manera más honesta posible.
bi/MENTAL se produjo a lo largo de los últimos tres años, etapa en la que Teri Gender Bender vivió una experiencia personal de suma trascendencia espiritual. “La pérdida de una madre que sigue viviendo”, como describe ella el episodio de complicada salud mental con el que su madre –y las personas cercanas a ella, incluida desde luego Teri– han tenido que lidiar.
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El disco pasa por todas las fases del proceso, del reclamo al dejar ir, de la violencia a la liberación, la dualidad implícita en un estado de bimentalidad constante. Y el poder propio de un sonido como el que Alejandra, Riko, Marfred y Gender Bender han patentado con el paso de los años, sirve como placa de Petri para poner de manifiesto lo visceral del LP. “Hubo mocos, sudor, de todo mientras grabábamos”.
Aunado a ello, por primera vez han trabajado sin la producción de un aliado constante de Teri, Omar Rodríguez-López. Jerry Harrison de Talking Heads fue quien tomó ese rol. “Es el primer disco que hacemos con Rise Records, entonces nos dieron una buena inversión, una buena lana para ir al estudio, grabar con el productor que quisiéramos y todo, dije ‘por fin voy a poder dejar de usar a Omar’ jajaja”, dice entre bromas. “No, los dos son super talentosos. Jerry se centra mucho más en lo técnico y Omar en lo visceral. Trabajar con Jerry además fue de alguna forma como conocer psicológicamente a mi padre o no sé, porque los dos fueron parte de la misma generación y no pude conocerlo muy bien porque falleció hace muchos años. Fue muy surreal”.
A la vez, es irónico que el disco más crudo y emocional de Le Butcherettes salga a relucir la Teri menos teatral y quizás enérgica que hayamos conocido. “Más vieja sin duda, jajaja”, me dice cuando le pregunto cómo se siente, lo cual traduzco como madurez implícita en el hecho de poder plasmar momentos personales en un tema sin que las pasiones se pierdan en el trayecto. Tal vez haya menos maquillaje pero mayor intensidad en los conceptos.
Aprovechando el lanzamiento de uno de los discos más relevantes para la diáspora latinoamericana en 2019, nos conectamos por teléfono con Teri para sacar el bisturí, partir el disco a la mitad, y ver hacia su interior pasando uno a uno por sus tracks, sin lograr evitar nervios y sentimientos propios de un material surgido de una experiencia personal genuinamente catártica. Escucha en exclusiva el nuevo disco de Le Butcherettes a continuación, y lee abajo cada una de las historias que lo conforman.
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“spider/WAVES” con Jello Biafra
Empezó esto como un cortometraje que yo quería hacer, invité a mi amigo Omar [Rodríguez-López] y le dije “hey, quiero que tú seas el director de mi cortometraje”. En ese entonces era cuando mi madre y yo no sabíamos que lo que estaba pasando era algo tangible, y también dije “ah, pues la voy a involucrar”, porque ella también era actriz y quería involucrarla, para que no se sintiera solita o lo que sea, y pudiéramos también hacer algo juntas. Ella aceptó, y después invité a Jello porque él también es actor, le escribí y le dije “oye, estoy haciendo esta película, va a dirigirlo Omar, mi mamá va a ser la protagonista, me gustaría que tú fueras el antagonista” y me dijo que sí. Y bueno, no pudo pasar nada, digamos que la película fue una falla, grabamos algunas escenas pero en ese momento el volcán de todo el asunto de mi madre empezó a despertarse. Empezó a amenazar a todos con pistolas, llegaba con una botella de cerveza y la rompía la botella contra la mesa y amenazaba con matar a todos ¿sabes? Jello es un caballero, entonces lo entendió y me apoyó, me dijo “está enferma, tienes que ayudarla, estar ahí con ella”, y a partir de ello fue que la llevamos a la intervention, digamos.
Sobre la canción, la voz de Jello que aparece ahí es realmente un sampleo del cortometraje. Es un diálogo que le está diciendo directo a mi madre, y son unas palabras donde denuncia a la industria musical, que también deja a uno con traumas, por tener que lidiar con gente que no sabe ni qué pedo con la música ¿sabes? no saben ni qué onda. Ya en lo lírico, para mí es como el rehusarse a entrar en un pensamiento negativo, o que entre el otro, el mundo exterior, porque cuando ya está dentro es contagioso y te va a demacrar el espíritu. Lo escribí sintiéndome así, como con una cicatriz que se abrió otra vez, como una cicatriz que está a punto de sanarse y vuelve a abrirse, como decir “coño, todo el tiempo hubo un vidrio dentro de esta herida y ahora tengo que sacarlo”. Y musicalmente, en el puente, en la parte del bajo, también mencionar que esa fue una de las partes que Jerry y yo grabamos como en cincuenta tomas de diferentes estilos, hasta que al final quedó esa que nos gustó mucho, que de hecho al final vino de un mambo jajaja. Le dije a Jerry que escucharamos discos viejos, pusimos ahí de muchos artistas distintos, mucha salsa, así como Wilie Colón, irónicamente. Fue parte de mi inspiración, mi adaptación a otro género como el rock.
“give/UP”
Para mí “give/UP” es como cortar con todo lo malo que hay en la vida, dejarlo ir, porque también es adictivo, estar cercano a cosas o personas malas, porque de alguna forma te vas moldeando a ellos o ellos se van moldeando a ti ¿sabes? también es culpa de uno mismo, no necesariamente de los demás. Y pues el give up fue eso, decirle a mi mamá “te quiero un chingo, luché toda mi vida por ti, intenté entender, pero solo tú te puedes ayudar a ti misma, podemos hacer todo lo demás, estar contigo siempre, conseguir a doctores que te ayuden, pero ¿para qué si vas a estar abusando de nosotros con insultos y demás?”, porque le sale esa personalidad de “eres una puta Teresa, deberías de dejar de girar, eres una ingrata” y cosas así, y luego de repente “¿qué pasó mi’jita? ven aquí, déjame darte un masaje de pies, qué hermosa” y yo me quedaba de ¿qué pedo?. Pero sí, también creo que es bueno, aunque suene egoísta sobre todo siendo una familia latina, tomar un descanso, porque ella no me quiere ahorita, y tengo que aceptar eso y dejar ir, decir “¿sabes qué? me rindo, ¡me rindo!”, y no tiene nada de malo, porque a final de cuentas es para algo positivo.
“strong/ENOUGH”
Este fue una colaboración, que en realidad empezó como un demo, en a cappella. Lo padre de esto es que en el proceso de ir haciendo música van saliendo muchas colaboraciones, en este caso Elvin Estela, DJ Nobody, que ya me había mandando varios tracks y yo me rifaba con ellos, que eran como beats y yo le metía mi melodía y mi letra. Salió así solo por curiosa, puse la melodía que tenía de “strong/Enough” sobre su música, sobre el hook que tiene el coro, y quedaba perfecto, solo tuve que cambiar mi tono de voz para que quedara, pero la melodía quedaba perfecta con la música que él hizo, entonces ya fue que lo invité a que formara parte. Trabajar con Elvin fue súper chido, muy padre. Aparte al inicio la música de él era solo como trip hop, power pop, y ya con el toque de Jerry, con mi toque y también con el de Alejandra, Marfred y Riko pues ya fue esa combinación muy buena de esos dos mundos.
“father/ELOHIM”
El último sencillo que lanzamos el año pasado. Para mí “father/Elohim” significa la falta de empatía, es como un reclamo. Digamos que la diosa Elohim creó a su propio padre, ella puso a su propio padre, o sea a la humanidad –porque para mí padre representa una humanidad– en un pedestal, pero con el paso del tiempo la humanidad le fue fallando a ella. Hoy en día la tiene totalmente abandonada, entonces ya prácticamente es un reclamo, está recordando la juventud y las aventuras que tuvo con él, y que a pesar de estar abandonada por él, sea en carne o en hueso, porque también esa es la falla del nombre, que no es para siempre, y ella está reclamando también eso, diciendo “coño, te moriste y aún así la sociedad o el sistema no tiene empatía”. Por ejemplo el IRS o el Gobierno cuando mi padre murió aún así querían cobrarnos los impuestos o las deudas que tenía él con las tarjetas de crédito ¿sabes? la falta de empatía. Cuando pasó lo del 9/11 a una de las personas que murieron aún así querían cobrarle la renta, a su familia, entonces sí, hay ahí una falta de empatía.
“little/MOUSE”
Es una metáfora también. De alguna forma siempre me he sentido pequeña, “little mouse”, siempre me he sentido como un ratoncito pequeño, por la madre, por el padre, por los mismos amantes ¿sabes? te usan, te tiran a la basura y demás. Pero ese ratoncito, que fue menospreciado por tanto tiempo, al final termina siendo más feroz. Por eso esa parte del precoro que es como “¡wroof!”, viene con un “a-a-a-a-a-a-aah ¡wroof!”, y es como el ladrido de un lobo salvaje. Y en el puente se revelan, bueno según yo jajaja, todos estos abusos ¿no? que en mi caso pues es un abuso psicológico y hasta físico, y que mantenerlo en silencio no le va a hacer bien a nadie. En el puente ahí más o menos habla de eso, que me he mantenido callada, en las sombras, que ni quise avisarle a mis amigas y de alguna forma también cargo la culpa por eso.
“in/THE END”
Este track para mí es uno de los más vulnerables, y también uno de los más cercanos a los demos. A lo que me refiero es que la primera parte del track es literalmente el demo de cuando estaba en mi clóset, cuando recién acaba de pasar lo de mi madre que estaba corriendo tras de mí con un cuchillo en la mano, fue ahí cuando tuve que cerrar las puertas y me metí al clóset y grabé, fue una de las primeras cosas que grabé. Qué padre que me digas que suena con cierta tranquilidad porque justo eso estaba buscando, algo con que solo distraerme del caos. Y también refleja un poco la decepción, de venir de una familia tan hermosa, con una raíz tan hermosa, y ahora esto. De alguna forma es una canción nostálgica, aunque sí, es nostálgica, pero tampoco sin querer volver a eso. A final de cuentas es eso, decir “sí, la familia qué linda” y todo, pero al final siempre va a haber violencia, siempre va a haber violencia en la humanidad, entre nosotros. Y también la falta de serle fiel a algo, a lo que sea. ¿Sabes qué también? Creo que suena un poco a los Beatles, creo que sí hubo ahí algo de influencia. Perdón John Lennon, creo que mi antenita te robó algo jajaja porque sí, he escuchado un chingo a The Beatles toda mi vida.
“nothing/BUT TROUBLE”
Uff, esta sí es así para mí como un reclamo total. De “cabrón –o cabrona–, todo este tiempo yo he dado todo de mí, mi cien por ciento, ¿y aún así dices que soy peor que la basura, que soy una molestia?”. Siempre en mi familia ha existido esa raíz de nunca ser una molestia, de nunca pedir favores, de no pedirle nada a nadie, “porque luego van a estar ahí pidiéndote de vuelta”, que no tiene nada de malo pues, que haya ese intercambio. Siempre lo ha visto muy mal mi madre. Al final de cuentas según yo le estaba dando todo a ella, viviendo con ella, estando cerca, y a quien le reclamó fue a mí, cuando todo el mundo la trató mal a ella, según ella, también es un poco parte de la enfermedad que sientes que todo el mundo es tu enemigo. Yo ofreciéndole mi alma, mi corazón, y aún así me reclama. Fue como un reclamo contra sus reclamos jajaja. A la vez también es como un reto, de “ah, si dices que soy una molestia, pues déjame, a ver, a ver si tan chingona”. También creo que eso se puede aplicar en relaciones amorosas jajaja.
“la/SANDíA” con Mon Laferte
La verdad se la rifó Mon, es una guerrera, porque ella estaba en medio de una gira. Originalmente la canción era con mi voz pero no no no, no me gustó nada, se me hacía que no era como… mmm… ya sabes, como que no. Y pensé en Mon, dije “ella, ella podría cantar esto como me lo imagino”. Y sí, aquí sí debo agradecerle a mi instinto por estar en lo correcto porque ahora es una de mis canciones en el disco, esta y la de Alice Bag, son mis favoritas.
A mitad de la gira ella estaba en Chihuahua, y gracias a su equipo y mi equipo, y también a la voluntad de querer hacerlo, al día siguiente volaron a El Paso –donde vivo–, y ahí grabamos en mi estudio. Pero antes de grabar, hubo cierto grado de convivencia ¿sabes? primero vimos película, comimos algo, nos tomamos el cafecito, fuimos a pasear por El Paso, fuimos a una tienda de vinilos pero estaba cerrada la pinche tienda, así que tuvimos que ir al café de al lado y bueno. Ella es como uno de esos talentos raros, porque realmente no existe alguien como ella, ella es única, porque es súper dinámica y tiene su propia huella, y eso le ha permitido ir conquistando nuevos territorios. El otro día estaba en Puerto Rico y la estaban tocando a todo dar ahí, o en Japón también. Su vida es como una película ¿sabes? como un ser súper increíble y pues sí, se la rifó, la hizo en una toma pero ella quiso hacer más, se la pasó bien haciéndolo. Y de lo de que fuera en español, sí, desde el principio así fue. Antes le enseñé a Mon unos armonías mías pero ni eso fue necesario, porque su voz es tan fuerte que no fue necesario, además es una canción con un solo personaje, también no quería distraer más en cuanto a la experiencia. Aparte se me hace bien chido porque nunca había hecho un featuring donde el invitado se eche toda la rola, y por eso fue muy padre. Y no te miento, también fue muy inspirado por Wu-Tang Clan, porque ellos han hecho eso, que invitan a un rapero y le dan toda la canción, o viceversa, aunque sean ellos quienes se encarguen de las instrumentales.
“struggle/STRUGGLE”
La lucha. La segunda colaboración del disco, la música es de Marcel Rodríguez-López, que es hermano de Omar y de Riko y de Marfred, el nombre de su proyecto es Eureka the Butcher, ese es su seudónimo artístico. Fue más o menos lo mismo que con “strong/Enough” que tenía este demo a cappella, y quería algo futurístico, porque esta canción la hemos sacado en diferentes versiones, de hecho sacamos el EP de Struggle/Struggle con esas diferentes versiones de la canción, y de hecho hay también otras de otros géneros que ya no salieron, pero fue divertido hacerlas. A mí personalmente la que me gustó más fue la de Eureka porque es más futurística, es un sonido que yo quiero obtener más frecuentemente. Me acuerdo que se las puse todas a varios amigos, y esta fue la que más les voló la cabeza porque dijeron “wow, es diferente, se siente como en el espacio”. Y pues sí, se debe mucho a Eureka, al amor de cada integrante, que también elevó mucho la melodía, la hizo sonar como del imperio romano pero adelantado en el año 3000 o no sé jajaja. Luego los visuales también que hizo NOUN en el video que hicimos para esta canción y me encantó que también lo haya inspirado eso. Porque también fue basado un poco en el libro de El Perfume, pero el inicio y todo eso de estar dentro con la bruja que me susurra en el oído me gustó que lo haya inspirado para los visuales.
“dressed/IN A MATTER OF SPEECH”
Creo que este se trata de cuando mis padres se conocieron, la concepción. Se conocieron, estuvieron juntos, todo increíble, y luego tienen una hija, que yo creo que cuando me tuvieron dijeron “ella nos va a curar de nuestras enfermedades, de todo”, como un momento de fe y esperanza que tuvieron con la primogénita. Según lo que me contaron ellos cuando se enteraron que iban a ser papás, pues les entró mucho amor. Una nueva vida, un nuevo capítulo, todo va a estar bien.
“mother/HOLDS” con Alice Bag
Alice es también de mis diosas, desde niña escuchaba su música, y también es una artista en todo lo que da, como Mon Laferte, pintoras, escriben, poetas, etcétera. Alice también es maestra, activista, forma muchas comunidades, ahorita está formando una organización que se llama “Turn It Up” que involucra a mujeres de todos los estilos de vida, culturas, contextos, para unirse a hacer música. Es otra mujer que también abrió su corazón al proyecto. Cuando yo la invité a la canción también era lo mismo, originalmente yo la cantaba toda pero la historia no se dio a eso, necesitaba otro personaje, y la historia se trata de eso, de la relación entre madre e hija, se están reclamando una a otra. Y lo que hicimos cuando le platique la historia a Alice y ella me contó su perspectiva como madre con su hija, fue invertir nuestros roles, así que yo canté como si yo le estuviera reclamando a mi hija, y ella cantó como si fuera su hija reclamándole a su mamá, así que de alguna forma fue una experiencia muy catártica, así, de neta, muy espiritual. Al final de la sesión, después de gritar, ella estaba cubierta de sudor y de mocos, yo también tengo que confesarte que hasta me vomité un poco en la boca de lo fuerte y exigente física y emocionalmente que fue, pero eso no se lo dije ni a ella, no sé porqué te lo dije a ti jajaja. Es la verdad, es la verdad, fue muy visceral, muy crudo. Y pues ella también es un gran talento, que hace la canción en dos tomas, pero quería explorar más y le dio su propio ritmo y corriente a los versos, le dio más sabor, y pues es de las grandes, por eso es quien es.
“sand/MAN”
“sand/MAN” yo creo que es como la pesadilla, como esa parálisis que te da cuando te vas a dormir, que estás entre dormido y despierto pero sientes que alguien o algo se va a acercar a ti, que te va a matar o no sé. Cuando pasó todo esto que cuento, en esa etapa de mi vida donde todo se estaba yendo pa’l carajo, me estaban dando muchos ataques de parálisis en las noches, como que dormía pero sentía que me venía el sandman ¿no? como esta entidad maligna. Una de esas fechas cuando me pasó esto, usé todo mi poder de voluntad para enfrentar a esa cosa, y fue como un acto lúcido o no sé. Cuando lo enfrenté tenía una luz brillante en el pecho, de mucha esperanza, y sentía como si una cuerda de muchos nudos se deshiciera de inmediato, todos esos millones de nuditos se deshicieron y me sentí liberada. Como que pase lo que pase, si hay sangre, o violencia, o aburrimiento, lo que sea, al final todo va a estar bien, tienes que agarrar esa luz. A la vez sentí que cuando estaba a punto de tocar esa lucecita, de repente una como ola de depresión me empezó a chupar todo mi ser, aunque al otro día me desperté como si nada. Fue muy raro, fue una de esas experiencias que te cambian la vida jajaja. La canción está basado en eso, en seguir la luz, pero luego no la quieres o desaparece, the shiny thing como dice la letra. Y no me drogo, te lo juro jajaja, digo, la cafeína es droga, entonces igual y sí.
“/BREATH”
Dejarlo ir, totalmente. El último respiro, el último grito, el último esfuerzo de energía. Repasando un poco la letra creo que se trata de algo tipo la mujer que va por la playa camina hacia el mar para morir, como entregarse y quitarse su propia vida. Digo, espero que no sea así el caso jajaja, pero igual y en la muerte se encuentra la liberación, o a lo mejor no en la muerte sino en el dejar ir, como una metáfora. Para dejar ir hay que hacerse una limpieza ¿no? dejar ir el ego, no sé, perdonar quizás. O igual había paz y se va, porque de alguna forma nada es seguro, por eso la canción también termina tan abruptamente, se corta, porque eso pasa en la vida, eso le pasó a mi papá por ejemplo, estábamos así a todos dar y de repente ups, la llamada del hospital, “ya no está tu papá, ya no existe”. Y pues así es la vida, como una canción, se puede terminar así. Que se quitan ahí algunas cosas y detalles antes de terminarla pero ni modo, it is what it is. También no debo negar que es un tributo a los Beatles, a Abbey Road.
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Le Butcherettes estará presentando bi/MENTAL este sábado en Versalles 64 de la Ciudad de México para iniciar una gira que los llevará a cubrir gran parte de Europa y los Estados Unidos. Puedes ver el flyer del tour aquí abajo, y conocer más detalles de su presentación en CDMX en este link.
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