Hace unas semanas recibí un email del publicista de Linkin Park que incluía un link de YouTube y un comunicado de prensa que no leí. El título decía: “LOS MUNDOS DE STEVE AOKI Y LINKIN PARK COLISIONAN EN NUEVO SENCILLO.”
Por supuesto, me fui directamente a casa y empecé a empacar mis playeras favoritas en una maleta para que esperar pacientemente a que los cuatro jinetes del Apocalipsis me arrastraran hacia el infierno. Después de todo, esta unión no consagrada del rap-rock y el EDM de festivales podía significar sólo una cosa, la inminente llegada del Anticristo. Pero después de una hora o dos de pendejear miré por la ventana y los pájaros seguían cantando, las hojas de los árboles seguían cayendo en dramáticos espirales hacia el suelo. Así que prendí mi laptop, abrí una lata de Dr. Pepper y vi al vocalista principal de Linkin Park subirse al escenario con Aoki -el mismísimo arroja-pasteles brandeado, vivito y coleando- para una emotiva interpretación de su nuevo sencillo en vivo desde Tokio.
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Aoki hizo algo como un baile de YMCA cuando no estaba fingiendo picar botones. Mike Shinoda -el vocalista principal de Linkin Park (obvio) y el sujeto de nuestra entrevista de hoy- casi se deja llevar para aventarse de lleno a surfear la multitud, pero al parecer un elemento de seguridad lo frenó en el último momento. El otro vato de Linkin Park rapeó un verso apurado después de ordenar al público, en repetidas ocasiones, que “¡Brincara!” e “¡Hiciera algo de ruido!”. Los comentarios en YouTube del video oficial incluyen puntadas como “LP (Linkin Park) y Steve Aoki trabajaron en esto por más de 6 meses y aún pinches apesta,” así como tonterías pésimamente interpretadas como “Esto es dubstep, LP está vendido” y las siempre necesarias respuestas a la defensiva: “Si fueran verdaderos fans no se estarían quejando de ellos, los estarían apoyando.”
En general todo era algo extraño y de bajo presupuesto, pero no se puede fingir que esto era una sorpresa. Como con muchas otras aventuras de sabiduría empresarial dentro de la música comercial, Linkin Park se ha bajado de la nube (¿ha bajado avión?, ¿se ha despabilado?, no sé) y están siguiendo al masivo éxodo de fans conforme se aleja del ya gastado modelo de concierto de rock y se acerca al mucho más sumergido -y lucrativo- festival del EDM Experience (sí, con “E” mayúscula). Cuando recibí un email del equipo de Mike Shinoda para saber si quería entrevistar al líder de Linkin Park comencé, de inmediato, a maquinar cómo trollearlo públicamente para el beneficio de ustedes, los cínicos lectores de VICE.
Desafortunadamente, fue completamente educado y elocuente. Lo cual me hace un troll fallido. Y aunque no me haya convencido que Linkin Park + Aoki son lo que el mundo necesita en este instante, Mike Shinoda establece unos puntos sobresalientes acerca del rap-rock y el rave, además de admitir que prefiere “equivocarse a todo volumen a ser tímido y no arriesgarse nunca.”
THUMP: Lanzaste un track de EDM en colaboración con Steve Aoki, ¿cómo es trabajar con él?
Mike Shinoda: Pues bien, cuando el track empezó a tomar forma, Steve me mandó un email que decía “Me hicieron un montón de entrevistas en los Grammy’s ayer, ¡no sabes lo mucho que moría de ganas por decirles que estaba trabajando con Linkin Park!” Y no dijo ni una sola palabra, eso es profesionalismo. Muchos artistas habrían tuiteado sobre eso pero Steve sabe qué pedo. A veces toma tiempo para que una canción esté lista y no quieres hypear a alguien o algo que no se puede tener de inmediato.
Leí una entrevista con Steve donde decía algo como: “No mames, Linkin Park son mis héroes.”
Es chingón cuando recibes el tipo de amor que recibimos de artistas electrónicos como Steve. Estamos por lanzar un álbum de remixes y muchos de los artistas que figuran en él han sido fans de Linkin Park desde hace tiempo. Siento que mucha gente que era fan o que hubiera sido fan del rock se ha cambiado hacia la dirección de la música electrónica. Es una escena algo diferente para ellos y un canal diferente, y para mí, parece haber una conexión obvia.
En tu entrevista más reciente dijiste algo como “Hay algo tan punk rock en el método del EDM”-¿crees que ese sea parte de la atracción?
Absolutamente, porque la idea es DIY (hazlo tu mismo), ¿cierto? En su forma más cruda -y sé que esto no es verdad para todos- lo único que un DJ necesita es su computadora y saber usar un software que probablemente no es tan caro. Es decir, ¿qué tan diferente del punk rock es eso? Armas una banda con tus cuates, compran los instrumentos más baratos, salen a rifarse. Y eso es lo que estos güeyes empezaron a hacer.
La cosa con personas como Steve -su ética de trabajo es increíble. El mes pasado hizo cinco shows en dos días y nos reímos porque estamos en el extremo opuesto del espectro de eso. Tenemos esta producción masiva y un equipo masivo, y no podríamos hacer dos shows en un día ni tres shows en dos días. Es difícil mover todo de lugar a lugar. Él solamente tiene que llegar con un par de güeyes.
Sí, metes la laptop a una bolsa y te largas.
Exactamente.
¿Crees que la música dance es el futuro? ¿Crees que los rockeros están cambiando de bando?
Hay lugar para todo. Como fan de la música, no es como que sólo tenga lugar para 3 álbumes este mes, o como, 20 sencillos -no funciona así. Siempre fluctúa y fluye. Un blog hizo un post llamado “Rock Music Sucks Right Now and Is Depressing” y este mes escribí una respuesta a ese post en donde básicamente les di la razón y expliqué por qué siento que la música rock necesita más innovación y entusiasmo en este momento. La gente necesita dejar de mamar. Los artistas son tan “preciosos” cuando se trata de sus bases de fans y sobre el ser vistos con cualquier otra banda o artista con la que no quieren hacer canciones; no quieren ir de gira juntos; no quieren hacer nada con nadie más. Pero el resto de la comunidad de música lo hace y cosecha los beneficios tanto creativa como económicamente.
Es sólo una cosa, de muchas, que me hacen decir “No entiendo. No entiendo por qué los artistas rockeros no están dispuestos a salirse de su zona de confort.” Aún si apesta, al final del día, preferiría equivocarme públicamente a ser tímido y nunca arriesgarme.
Lanzaste tu debut en Japón, en vivo. ¿Crees que exista una emoción diferente respecto a un show de EDM a un concierto de rock? ¿Existe una energía diferente?
Creo que definitivamente la hay. Parte de eso tiene que ver con el hecho de que está más enfocado en la producción, si sólo tienes a un DJ con su equipo y nada más en el escenario, definitivamente no pasa lo mismo a que si fuera una banda de rock en el escenario y sin producción alguna. Una banda de rock en su forma más cruda tiene mucha más energía, pero luego añades el elemento de la producción y la banda tiene que gastar dinero para transportar a sus técnicos, el equipo y toda la escenografía, mientras que un DJ puede gastarse ese dinero en pantallas LED. Vas a un festival de música electrónica y tienes algo que es visualmente impactante.
El otro tema es que el público no está necesariamente enfocado en el intérprete; está en su propio pedo, en cambio, en un concierto de rock definitivamente hay gente enfocada a lo que tiene directamente enfrente, en lo que sucede sobre el escenario.
También hay más drogas en los shows de EDM.
Me atrevería a decir que eso probablemente es verdad [se ríe]. Por más loco que suene, siempre ha sido más o menos así. La cosa es que, no sé si haya menos drogas ahora que las que solía haber, porque yo fui a raves cuando estaba en la universidad y era todo un viaje. Es decir, no sé si he visto que se pongan así ahora. Pero también, fui a raves donde tocaban mucho jungle y hardcore techno, y siempre estaban un poco más enojados. El harcore techno de ese entonces era como el heavy metal de la música electrónica. La gente estaba hecha una mierda -no sólo estaban drogados, sino que, estaban, eh, potencialmente desequilibrados [se ríe].
Todo el ambiente estaba de miedo.
Estaba un poco de miedo. Lo amaba pero no hubiera podido vivir ahí.
¿Escuchaste el disco de dubstep de Korn?
Lo hice.
¿Crees que eso haya influenciado la manera en que integras la música electrónica en tus propios álbumes?
Ambas bandas definitivamente lo hacían de una manera independiente mucho antes de eso. Si escuchas la primera canción de Hybrid Theory te das cuenta que estábamos integrando elementos de jungle y hip-hop -no específicamente los estilos que integramos ahora, pero desde entonces y hasta ahora, ha sido una progresión constante. Alguien me dijo que casi siempre teníamos electrónica en nuestra música, sólo que estaba en el fondo, hasta ahora. Ahora las guitarras están por debajo de la electrónica, lo invertimos en la mezcla. Si regresaras a escuchar Hybrid Theory, y hay un elemento no-vivo sonando, te preguntarías “¿De qué es una referencia?” Y siempre es la electrónica y el hip-hop.
Etnonces, ¿casi siempre es una cuestión de ingeniería?
Esta es una pequeña filosofía: en nuestra música siempre hay muchos tracks. Si estás en una banda como los White Stripes donde tienes una guitarra, batería y vocales, no existe un problema al considerar cuáles poner al frente, porque se le puede subir a todo y no hay pedo. Si eres una banda como nosotros -que tenemos seis miembros en la banda y constantemente tenemos que crear capas de sonidos- entonces quizá tengas veinte sonidos de los cuales escoger y no puedes subirle a todos. Sonará como una mierda. Tienes que escoger la jerarquía de los elementos, por lo que con el tiempo, conforme cambiaban nuestros gustos, diferentes sonidos se iban quedando al frente.
En Hybrid Theory las guitarras y la batería quedaron al frente super fuertes, unos discos después algunas de las partes electrónicas tienen mayor volumen. En realidad esto comenzó al dejar que nuestro bajista le subiera a sus tracks, lo cual es chistoso porque realmente no sucedió en el primer disco. Para cuando llegamos al último álbum, todos los elementos electrónicos son los fuertes y los elementos en vivo están detrás de ellos. Así que en el próximo álbum quizá quede invertido de nuevo. Está por verse.
En el nuevo álbum tienen un montón de colaboraciones. ¿Podrías hablarnos de algunas de tus favoritas?
Existe mucha variedad, desde Datsik y Killsonik hasta Money Mark, y un par de raps por Pusha T y Bun B. Realmente disfruté trabajar con todos los diferentes artistas, y a algunos no les hice nada -solamente los dejé hacer su pedo. Otros artistas querían colaborar, así que añadí algunas cosas y jugué con eso, luego hice dos remixes.
¿Te divertiste en el estudio con algunas de esas personas?
Casi todo fue por larga distancia, ya que siempre están de viaje. Se compartieron muchos archivos y cosas así -ocasionalmente me reunía con algunas de las personas. Recuerdo cuando Datsik estaba en Cleveland, nosotros estábamos de gira y llegamos a Cleveland la misma noche. Pudimos cotorrear antes de que se fuera a su show. Es divertido alterar la fórmula con los que son más chicos, que apenas ahora experimentan la atención de sus fans y una etapa diferente en sus carreras, y en la música en general.
¿Has ido al famoso green room de Steve Aoki?
[Se ríe] De hecho, no. Nos vimos en Tokio y hemos cotorreado en otras ocasiones, pero realmente nunca en sus shows.
¿Qué es lo más divertido que ha pasado backstage cuando colaboras con un artista?
La cultura del backstage de Linkin Park usualmente es bastante tranquilo. Es más familiar y queremos que se quede así, por la familia. Además, es más difícil para nosotros hacer nuestro pedo si hay mucho caos.
Una vez, cuando Jay Z estaba arrancando con su álbum, The Blueprint III, la Rolling Stone me pidió que fuera su reportero en escena, como reportero via Twitter o lo que fuera. No me di cuenta que parte de su ritual era tomar un shot de tequila Patron y un vaso de Ace of Spades antes de su show. Me dijo, “Si estás cubriendo el show tienes que hacer el ritual.” Así que nos tomamos el shot de Patron y el Ace of Spades, y de inmediato le dije a mi gerencia “Tenemos que hacer lo que Jay hace porque estuvo pocamadre.” Es una gran manera de hacer el show.
¿Has estado haciendo eso antes de cada show?
De hecho, creo que tenemos nuestro propio pedo y estoy contento con eso.
